Groß Gallery - modern interpretiert

Max Ackermann

(1887 Berlin – 1975 Bad Liebenzell-Unterlengenhardt).

Deutscher Maler und Grafiker. Namhafter Vertreter der abstrakten Kunst in Deutschland. Lehre zum Porzellan-Modelleur. 1906/07 mit Empfehlung von Henry van de Velde Freistelle am Großherzoglichen Kunstgewerblichen Seminar in Weimar. Gründung des „Freilichtatelier für Steinarbeiten“, Marmorskulpturen. 1908/09 Besuch der Zeichenklasse von Richard Müller an der Dresdner Kunstakademie. 1909-12 Studium bei Franz von Stuck an der Akademie der Bildenden Künste in München. Ab 1912 Schüler von Adolf Hölzel an der Akademie der bildenden Künste in Stuttgart, Anfänge der abstrakten Malerei. 1915-17 als Soldat im Ersten Weltkrieg verwundet, langer Lazarettaufenthalt. In den 1920er Jahren als Maler in Stuttgart, Gründung einer Lehrwerkstatt für Neue Kunst. Kurzzeitig Zusammenarbeit mit dem Tänzer und Choreografen Rudolf von Laban vom Monte Verità. 1926 Studienreise nach Paris, Bekanntschaft mit dem Architekten Adolf Loos. 1928 Begegnung mit Wassily Kandinsky und George Grosz im Kunsthaus Schaller in Stuttgart. 1929 Teilnahme an der Kunstausstellung zum Vagabunden-Kongress in Stuttgart. Ab 1930 Seminar für Absolute Malerei an der Volkshochschule in Stuttgart. 1932 Gemeinschaftsausstellung mit Ernst Heinrich Graeser und Hans Molfenter im Kunsthaus Schaller. 1936 Anschluss an den Höri-Kreis, Umsiedlung nach Hornstaad am Bodensee. 1937 Diffamierung und Beschlagnahme von Werken in der nationalsozialistischen Aktion „Entartete Kunst“. 1951 Mitglied im Deutschen Künstlerbund ud Teilnahme an dessen Jahresausstellungen. 1957 Verleihung des Professorentitel durch das Land Baden-Württemberg, dauerhafte Niederlassung in Stuttgart. 1964 als Ehrengast der Villa Massimo in Rom, römische Pastellserie. 1974 Heirat mit Johanna Strathomeyer, die er seit 1969 kannte und mit der er nach Bad Liebenzell-Unterlengenhardt umzog.

Karl Otto Götz (K.O. Götz)

geboren am 22. Februar 1914 in Aachen

Am  19. August 2017 in verstarb er in Wolfenacker.

Der deutsche Maler und Lyriker war ein Hauptvertreter der Abstrakten Kunst und des Informel in Deutschland.

Götz war Professor an der staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf, an welcher er unter anderem Gerhard Richter und Sigmar Polke unterrichtete.

Seine Kunst ist weltweit in Sammlungen und Museen vertreten.

Otto Piene

Frank Schmidts malt keine Portraits. Auch wenn viele Menschen bei der Betrachtung seiner Bilder davon ausgehen. Vielmehr versucht er kontinuierlich, während des schöpferischen Prozesses dem „Wesentlichen“ spürend zu folgen und es in eine Form zu bringen. Das menschliche Gesicht ist hierbei nur Mittel zum Zweck. Diesem schöpferischen Akt verfallen zu sein, klänge zu manisch und würde Frank Schmidts in seinen tastenden Versuchen nicht gerecht. Er nutzt lediglich nur die Form des Gesichts um auf diesem Weg des Malens, seinen, persönlichen und ihm vetrauten Moment des Seins, zu erfahren. Er will eigentlich gar nichts „Darstellendes“ schaffen sondern vor allem „Erlebender“ eines Entstehungsprozesses sein. Hierin findet Frank Schmidts seine Passion. Wer sich, auf diesen Hintergrund berufend, diesen Arbeiten annähert, dem wird einiges mehr offenbart als das menschliche Auge zu sehen vermag.

Carola Dewor

Bio

Ich liebe die Malerei auch, weil sie ein unmittelbares, direktes Medium ist; und ich bin fasziniert von der Vielfalt der Ausdrucksmöglichkeiten, die mir das Genre des Interieurs bietet. Es ist das Thema, mit dem ich meine Interpretationen der menschlichen Existenz am besten wiedergeben kann, ein Thema, das jeden in psychologischer, kultureller und sozialer Hinsicht betrifft, denn wir alle brauchen Räume, um zu leben. In meinen Bildern verbinde ich meine Begeisterung für das Malerische mit dem Erzählerischen.

Ideen und Inspirationen finde ich in eigenen Fotografien und auf entsprechenden Plattformen im Internet. Sie zeigen mir in einem unendlichen Strom, wie vielfältig und faszinierend menschliche Lebensformen sind. Allerdings ist eine Fotoreferenz für mich lediglich eine Anregung, um mich in die mir fremden Räume zu versetzen und im Prozess des Malens eigene Interpretationen zu entdecken. Ich nehme mir Zeit, um feinste Farbnuancen zu mischen, die meinen Bildern die wesentliche Stimmung verleihen.

Um von dem Raum und den Dingen in ihm nicht abzulenken, verzichte ich bewusst auf die Darstellung der menschlichen Figur. Dabei finde ich es besonders faszinierend, dass Menschen, die diese Räume einst bewohnt haben oder weiterhin bewohnen, in ihren Spuren und Gegenständen lebendig bleiben. Im Übergang von der Vergangenheit in die Zukunft liegt der Moment zwischen dem Gewesenen und dem Möglichen, der in meinen Bildern erfahrbar wird.

Mit der sinnlichen Schönheit der Malerei, möchte ich das Unsichtbare im Sichtbaren zeigen und Verbindungen zwischen Betrachter und Bild ermöglichen.

Theora Krummel: Eine Künstlerin aus dem Münsterland
Theora Krummel, geboren 1965 in Warendorf, ist eine anerkannte deutsche Künstlerin, die heute in Telgte lebt und arbeitet. Ihr künstlerisches Schaffen umfasst sowohl Malerei als auch Fotografie, wobei sie sich durch eine bemerkenswerte Vielseitigkeit in Technik und Thematik auszeichnet.

Werdegang und Künstlerische Entwicklung
Krummels Weg in die Kunst begann mit einer Ausbildung zur Druckvorlagenherstellerin, gefolgt von einem Studium des Grafikdesigns mit Schwerpunkt Illustration in Münster. Von 1994 bis 2001 war sie als freiberufliche Kinderbuchillustratorin tätig, hauptsächlich für den Ravensburger Verlag. Dieser frühe Berührungspunkt mit visueller Gestaltung legte den Grundstein für ihre spätere künstlerische Laufbahn.

Ein entscheidender Schritt war die Gründung ihrer Kunstschule „mal2“ in Telgte im Jahr 2001, die sie über zwei Jahrzehnte erfolgreich leitete. Parallel dazu vertiefte sie kontinuierlich ihre eigenen künstlerischen Fähigkeiten durch zahlreiche Meisterkurse und Weiterbildungen bei namhaften Professoren. Diese intensive Auseinandersetzung mit verschiedenen Techniken und Stilen prägte ihre Entwicklung zu der vielseitigen Künstlerin, die sie heute ist.

Künstlerisches Schaffen und Themen
Theora Krummel ist bekannt für ihre Experimentierfreude und ihr breites Spektrum an Techniken, darunter Zeichnung, Aquarell und Ölmalerei. Eine Besonderheit ihres Schaffens sind fotorealistische Gemälde, die durch ihre Detailgenauigkeit und Ausdruckskraft beeindrucken. Sie zeichnet sich zudem als eine der wenigen Künstlerinnen durch ihre großformatigen Kohlezeichnungen aus, die eine besondere Faszination ausüben. Daneben entstehen aber auch kleinere Arbeiten wie Buntstiftzeichnungen, Porträts und Landschaftsbilder.
Ihre Kunst ist stark von ihrer unmittelbaren Umgebung im Münsterland geprägt, aber auch von Eindrücken ihrer Reisen. Ein wiederkehrendes und faszinierendes Motiv in ihren Werken ist die Darstellung von verlassenen oder verfallenen Orten. Hierbei thematisiert sie auf eindringliche Weise die Kontraste und Veränderungen im Laufe der Zeit, das Zusammenspiel von Verfall und Erneuerung sowie die Spuren, die der Mensch und die Natur an diesen Orten hinterlassen. Ihre Bilder laden den Betrachter ein, über die Geschichte und die Vergänglichkeit nachzudenken.

Ausstellungen und Engagement
Theora Krummels Werke wurden bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in ganz Deutschland präsentiert. Sie ist Mitglied verschiedener Kunstvereine und Galerien und engagiert sich aktiv in der Kunstszene, beispielsweise im KünstlerinnenForum MünsterLand e.V. und im Kreiskunstverein Beckum-Warendorf. Neben ihrer eigenen künstlerischen Tätigkeit gibt sie ihr Wissen und ihre Erfahrung auch als Dozentin weiter, unter anderem an der Kunstakademie Kolbermoor und an der Europäischen Kunstakademie Trier.
Theora Krummel ist eine Künstlerin, deren Werk sowohl durch technische Brillanz als auch durch eine tiefgründige Auseinandersetzung mit ihrer Umwelt und den Spuren der Zeit besticht.

Joachim Jurgelucks

Aloisia Föllmer, Kunsthistorikerin

„Die Konzentration auf das „Weniger“, ist die Grundlage für die betörend reinen Erscheinungsformen

seiner Werke.

Fasziniert von der Vielfalt an Möglichkeiten lotet Joachim Jurgelucks aus, wie eine Form mit einer anderen

kommuniziert. Während des Herstellungsprozesses bewegt er sich permanent um die Skulptur herum, so

entstehen die unterschiedlichen Formen wie aus einem Guss. Denn man soll aus jeder Perspektive

erkennen, dass es sich um einunddieselbe Skulptur handelt. Weiche, runde, spitz zustechende und

abgeflachte Formen überzeugen in ihrer eindringlichen Schlichtheit. Konkave Formen antworten auf

konvexe, geschlossene auf offene. Jurgelucks Plastiken schwingen in ihrer klaren Bewegung zwischen

Spannung und Harmonie, wobei scharfe Kanten die Form klären.(…)

Jurgelucks spricht, was seine Arbeiten betrifft, nicht von Abstraktion. Vielmehr geht es ihm um

„Fokussierung“.

Nichts soll von der klaren Einfachheit der Objekte ablenken.(…)

In ihrer faszinierenden Einheit von Material, Form und Farbe rufen seine Objekte bisweilen gegenständliche

Assoziationen wach z. B. an einen Vogel oder einen Fisch oder an Teile eines Frauenkörpers. Sie öffnen sich

oder kapseln sich ab. Sie strecken sich hoch oder winden sich.

Einige Skulpturen sind in zwei Teile gespalten.

Assoziationen zu realen Dingen können nach Worten des Künstlers zwar eine Hilfe für die Betrachter*innen

sein, sie spielen aber keine Rolle bei der Entstehung seiner Skulpturen.

Denn der Bildhauer lässt sich allein von formalen Aspekten leiten. Diese klärt er zunächst in eher flüchtigen

zeichnerischen Skizzen. Danach schneidet er mit der Kettensäge und dem Stechbeitel seine Skulpturen

sorgsam aus dem Holz heraus.

Die Farbwahl ist nicht festgelegt. Sie setzt intuitive Einfühlung in die Form voraus und unterstützt deren

Wirkung.

Jurgelucks bearbeitet die Oberflächen seiner Holzskulpturen mit bis zu zwanzig Lackschichten, welche er

immer wieder anschleift. Nach dem letzten Schliff verleiht ihnen eine Mischung von verdünntem Öl und

Wachs sanften Glanz.

Auch die Oberfläche seiner Bronzeskulpturen sind besonders gestaltet. Sie sind teils geschliffen, wodurch

ihnen im Subtilen Rohes anhaftet.

Kompromisslose Resultate von Jurgelucks` minimalistischer Spurensuche sind insbesondere seine filigranen

Stahlskulpturen, die an Klarheit, Leichtigkeit und an Entschlossenheit kaum zu überbieten sind.“

Text zur Kunst von Joachim Jurgelucks

In meiner Kunst beschäftige ich mich mit dem Komponieren von Formen und Linien. Jede Komposition ist

Resultat einer permanenten Suche nach einer funktionierenden Form, konzentrierte Fokussierung auf

Einfachheit und Schönheit, Reduktion und Klarheit, zwischen Harmonie und Spannung. Die Fazination

über die Wirkung einer Linie, ob sie ein Werk erhöht oder zerstört, treibt mich an.Regine Wolff, 1. Vorsitzende BBK Osnabrück, Rede zur Ausstellung „still“

Joachim Jurgelucks ist auf der Suche nach der idealen Linie und einer Form, die er als „funktionierend“

beschreibt. Was etwas technisch klingt, hat bei Joachim vor allem mit Gefühl zu tun. Er sagt selbst „Ich fühle

die Form“ und es scheint, er hat da das richtige Gefühl. Seine Skulpturen strahlen eine elegante Leichtigkeit

aus, eine klare Schönheit, als könnte jede nur so und nicht anders aussehen, als wäre genau diese Form in

diesem Stück Holz verborgen gewesen und nun befreit. Das ist für mich eine erstaunliche Vorstellung, dass

diese glatten schimmernden Formen und Linien aus einem Holzklotz entstehen. Es gibt kein

dreidimensionales Modell zur Planung sondern wenige Linien. Kaum zu glauben, dass am Anfang der

Entstehung dieser feinen, geschwungenen, „stillen“ Formen, das Geräusch einer Kettensäge zu hören ist.

Erst danach mit Stechbeitel und Stecheisen und Schicht für Schicht geschieht die Annäherung an die für den

Bildhauer funktionierende Form.

Wichtig ist bei seinen Arbeiten, dass sie nicht Vorhandenes, Gesehenes, Bekanntes abstrahieren. Joachim

Jurgelucks geht es um das Finden von Formen, so dass etwas Neues entsteht.

Zur Person

Joachim Jurgelucks

Geb. 1979 in Paderborn

Lebt und arbeitet in Melle bei Osnabrück

Auszeichnung

2011 Förderkunstpreis 2011 der Stiftung Sparkasse Rietberg im Rahmen des Dr. Wilfried Koch

Kunstpreises

2013 Gewinner des Publikumspreises „Arthur“ der internationalen Kunstausstellung „FormArt“,

Glinde

2017 Nominiert für den Kunstpreis Rastede

2021 Nominiert für den internationalen Andre Evard Kunstpreis der Kunsthalle Messmer

2022 Projektstipendium „Reduktion“, Land Niedersachsen, „Niedersachsen dreht auf“

Werdegang

Autodidakt seit 2005

Freischaffender Künstler und Mitglied im Bund Bildender Künstler seit 2008

Ausstellungen(Auswahl)

2025 2024 2023 Contemporary Art Ruhr, Zeche Zollverein Essen, Galerie Laing, Münster (G)

Art Karlsruhe, Galerie Klüber, Weinheim (G)

„3D“, Skulptur Galerie Osnabrück (G)

„Kunst in der Region“, DA- Kunsthaus, Kloster Gravenhorst (G)

„Crossover“, Kunstverein Melle (G)

Gross/Jurgelucks, Kunstverein Lindern, Lindern (E)

ContemporaryArt Ruhr, Zeche Zollverein Essen, Galerie Laing, Münster (G)

Art Karlsruhe, Galerie Klüber, Weinheim (G)

Kunst in der Region“, DA Kunsthaus, Kloster Gravenhorst (G)“RhineArt“, Skulpturenausstellung, Katherienenhof , Bonn

„kunst.vor.ort“, Galerie Kunstgenuss, Osnabrück

Art Karlsruhe, Gallery Artpark, Karlsruhe (G)

2022 „reflection“, Galerie Laing, Münster (E)

„weniger“, städtische Galerie Landau, Villa Streccius (E)

Art Karlsruhe, Gallery Artpark (G)

Benefizprojekt Galerie Kunstgenuss, Osnabrück (G)

2021 „still“, Kunstquartier Osnabrück (E)

„3D“ , Skulptur Galerie Osnabrück (G)

„Nominiertenausstellung“ des Andre Evard Kunstpreises, Kunsthalle Messmer, Riegel am

Kaiserstuhl

DA Kunsthaus, Kunst in der Region (G)

„Art at home“, Galerie Laing, Münster (G)

2020 „Drei de.“, SkulpturGalerie, Osnabrück (G)

„Kopf oder Zahl“, Kunsthaus Klüber, Weinheim (E)

„konkave Formen antworten auf konvexe“, GalleryArtPark, Karlsruhe (E)

RuhrOpenArt, Schwerte (G)

Art Karlsruhe mit GalleryArtPark, Karlsruhe (G)

„Spectrum“, Galerie Laing, Münster (G)

2019 “Form und Linie“, SkulpturGalerie, Osnabrück (E)

DKKD Festival, Hannoversch Münden (G)

Discovery Art Fair Köln mit GalleryArtPark, Köln (G)

Masterpiece Münster mit Galerie Laing, Münster (G)

Art Karlsruhe mit GalleryArtPark, Karlsruhe (G)

„Formkompositionen“, Galerie Laing, Münster (E)

2018 Skulptur-Galerie, Osnabrück (G)

Kunsthaus Klüber, Weinheim (E)

Kulturnacht Osnabrück, Steinwerk (E)

Ruhr Open Art, Schwerte (G)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie/Düsseldorf (G)

2017 Skulptur-Galerie, Osnabrück (G)

Palais Rastede, Rastede (G)

dkkd Festival, Einbeck (G)

Janzen Galerie, Düsseldorf (E)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie / Düsseldorf

2016 Kunsthaus 57, Osnabrück (G)

DA Kunsthaus, Kloster Gravenhorst (G)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie/Düsseldorf

2015 Temporäre Galerie Hasestraße, Osnabrück (G)

Städtische Galerie Halle Westf. (E)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie/Düsseldorf

2014 Abtei Brauweiler, Pulheim (G)

Galerie Wilhelminenhaus, Kiel (E)

2013 Aurakure, Hamburg (G)

DA Kunsthaus, Klost

„Kunst in der Region“, DA Kunsthaus Kloster Gravenhorst, Hörstel (G

Matthias Gödde,

geboren 1960, ist ein deutscher Fotograf, der in Beckum, Nordrhein-Westfalen, lebt und arbeitet.
Sein Werk, das sich über mehrere Jahrzehnte erstreckt, ist geprägt von einer tiefen Auseinandersetzung mit dem Alltäglichen
und dem Poetischen im Offensichtlichen. Gödde hat sich als aufmerksamer Beobachter seiner Umwelt etabliert,
dessen Bilder zum Nachdenken anregen und die oft übersehene Schönheit und Melancholie des Moments einfangen.

Seine fotografische Ausbildung erhielt Matthias Gödde an der Fachhochschule Münster im Fachbereich Visuelle Kommunikation.
Seitdem hat er eine unverwechselbare Bildsprache entwickelt, die sich zwischen Dokumentarfotografie und freier
künstlerischer Arbeit bewegt. Seine Fotografien zeichnen sich durch eine ruhige, fast meditative Ästhetik aus.
Anstatt flüchtige Momente einzufangen, konzentriert sich Gödde auf die Komposition und die subtilen Stimmungen seiner Motive.
Ein wiederkehrendes Thema in seinem Schaffen ist die Beziehung zwischen Mensch und seiner (urbanen) Umgebung.
In Serien wie „Melancholia“ oder „In Public“ widmet er sich dem einzelnen Individuum im öffentlichen Raum,
oft in Momenten der Isolation oder Kontemplation. Seine Bilder werfen Fragen nach Identität, Vergänglichkeit
und der menschlichen Verfassung in der modernen Gesellschaft auf.
In weiteren Projekten wie „Studies“ oder „Diaphan“ exploriert Gödde abstraktere und konzeptionellere Ansätze.
Hier rücken Farbe, Form und Struktur in den Vordergrund und zeugen von seinem vielseitigen fotografischen Interesse.

Matthias Gödde ist eine feste Größe in der regionalen und überregionalen Kunstszene. Seit dem Jahr 2000 sind seine Arbeiten
regelmäßig in Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen. Er ist Mitglied im renommierten Kreiskunstverein Beckum-Warendorf
und im Pixelprojekt Ruhrgebiet, einer Initiative zur Dokumentation des Wandels der Metropolregion Ruhr.
Seine Werke wurden unter anderem im Museum Abtei Liesborn, im Wissenschaftspark Gelsenkirchen und in zahlreichen Galerien
und Kunstvereinen präsentiert. Für sein Schaffen erhielt er diverse Auszeichnungen, darunter Anerkennungen bei Fotowettbewerben
wie dem Nikon Photo Contest International und dem Kunstpreis Wesseling.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Matthias Gödde ein Fotograf ist, der mit seinen sensiblen und tiefgründigen Arbeiten
einen wichtigen Beitrag zur zeitgenössischen deutschen Fotografie leistet. Sein Werk lädt dazu ein, die Welt
mit anderen Augen zu sehen und die Poesie im Alltäglichen zu entdecken.

Mit seinen reduzierten, an Landschaften erinnernde Bilder, fasziniert der preisgekrönte Künstler Andreas Bausch, welcher oft jahrelang an den Werken arbeitet, den Betrachter.

Mal bricht er die Farbe brachial aus den zig Schichten heraus und lässt damit den Blick auf frühere Zustände des Bildes zu. Er hebt quasi die Vergangenheit in die Gegenwart, lässt beides nebeneinander sichtbar wirken und nicht selten erneuert er diesen Zustand zu etwas völlig Anderem. Dabei lässt er dem Bild die Freiheit und Offenheit, welche dann letztendlich aus dem Werk förmlich heraus strahlt.

Dieses Tun ohne Wollen ist die Königsklasse der freien Malerei und setzt eine permanente Auseinandersetzung mit sich selbst voraus, die den Mut und die Konsequenz des Findenden fordert.